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Productor musical: ¿qué hace y qué funciones tiene?

Muchos han oído hablar del productor musical como una figura omnipresente a la que nadie, más allá del círculo profesional de la industria musical, puede darle una forma del todo definida. Lo que no saben es que su trabajo es verdaderamente crucial, no solo para el resultado final de las canciones, sino para construir el sonido característico y diferenciador de cada artista. 

¿Qué hace un productor musical?

El productor musical es casi igual de importante que el intérprete. Y aunque no sea reconocido por la mayoría por su nombre y apellido, su trabajo será el que marque el rumbo definitivo de una canción. De hecho, en el momento en que el productor coge el timón del proyecto, es el responsable de tomar todas las decisiones importantes y tiene potestad para recortar, reorganizar , alargar y en definitiva modificar las canciones a su gusto para lograr el resultado deseado. Si el artista no está de acuerdo, es libre de abandonar el proyecto… pero quien manda en el estudio es el productor, y para eso se le contrata.

Para que nos entendamos: el productor musical es aquel que, desde un estudio y mediante el uso de herramientas especializadas, se encarga de materializar lo abstracto de una composición. De bajar a la tierra las ideas más locas y atrevidas de un compositor, y de hacer que suene como éste ha soñado. No parece fácil, ¿verdad?

Producción blind records

Coherencia musical

Para un artista que no produce, es muy complicado encontrar un productor que entienda su movida hasta saber llevarla a este punto. De hecho, es muy habitual que repitan con el mismo una y otra vez si han funcionado bien como equipo y están satisfechos con el resultado, como pasa con Ricky Falkner, Santos y Fluren en el caso de Love of Lesbian cuyo idilio ya lleva décadas. Y aunque cada vez sea más común la disparidad de sonidos en un mismo trabajo, no es raro que un disco esté producido de principio a fin por un solo productor, con tal de darle una coherencia sonora completa.

Lo cierto es que las canciones actuales tienen un fuerte componente de producción que quizás no tenía tanto valor hace unos años, y es que el papel de los productores está cogiendo fuerza hasta el punto de tener su propio sello, su sonido particular, y su forma característica de contar las canciones.

De hecho, un buen productor es aquel experto en composiciones y gran conocedor de música de todas las épocas, géneros y estilos, que es capaz de proyectar su conocimiento a la hora de trabajar. Eso es lo que hará que los artistas o las discográficas se decanten por uno u otro.

Productor blind records

¿En qué consiste el trabajo de productor musical?

Para hacernos una idea, hay que partir de la base de que su proceso creativo pasa por diferentes fases: desde la creación hasta la publicación de la canción. Como si se tratara de una metamorfosis.

– Preproducción. Para empezar, el productor procede a terminar de componer la canción, normalmente junto al artista o compositor, para definir todos los elementos que implica la pieza: la estructura, la forma, la letra, el tempo, la tonalidad, y el tempo, entre otras cosas. Así pues, la “maqueta” final de esta fase será solo el boceto del producto final; una buena base sobre la que experimentar y construir todo lo demás.

– Grabación o producción. Esta es la fase quizás más costosa y extendida en el tiempo, ya que implica la grabación de todas las voces e instrumentos. Llegados a este punto, el productor estará meticulosamente pendiente de que todo suene a la perfección, y de que el tempo y la afinación estén en su punto. Así pues, será esencial para que el resultado final sea impecable.

En esta etapa suele salir a la luz la vena más creativa, ya que, a raíz de escuchar las grabaciones repetidas veces, van surgiendo ideas y ganas de probar cosas distintas. Quizás por eso también requiere mucho más tiempo…

– Postproducción. Una vez hechas las grabaciones, llegan los dos últimos pasos:

  • Mezcla: El productor y el ingeniero de sonido en cuestión proceden a mezclar las grabaciones. Lo que parece tan simple, es quizás lo más complicado del proceso: implica cuadrarlo todo, agregar efectos si es necesario, ecualizar, y, en resumen, empastar todo de manera que suene según el género acordado o según el artista haya indicado.
  • Masterización: A grosso modo, en este paso se le busca un sonido general a la grabación, y se ajustan los detalles finales en cuanto a efectos, ganancia, o volumen.


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¿Qué es un pre save en Spotify y para qué sirve?

Si estás leyendo esto, probablemente eres un/a artista y has visto que muchas de las bandas que te gustan taladran a sus seguidores con los pre saves de sus nuevos lanzamientos. Así que antes de taladrar a los tuyos, nos gustaría ayudarte a entender 2 cosas: la primera que efectivamente es una herramienta que puede ayudar mucho a tu nuevo single, y la segunda que un pre save es sólo el principio. Tiene que ir acompañado de una campaña de promo, de una buena planificación del tráfico web y en definitiva de una estrategia de promoción bien planeada para que tenga sentido hacerlo. Pero empecemos por el principio.

¿Qué es un pre save?

En términos generales, podría equipararse a reservar o guardar un single o álbum antes de su publicación. De esta manera, los usuarios no solo reciben una notificación en cuanto se publica de forma oficial, sino que lo añaden automáticamente a su lista de canciones/álbumes que le gustan o a alguna de sus playlists personalizadas. De cara al público, es una manera de asegurarnos ser los primeros en escuchar el nuevo tema de nuestro artista favorito, de demostrar que somos verdaderos fans.

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¿Para qué sirve un pre save al artista en Spotify?

Para entenderlo, hay que partir de la base de que el principal objetivo de una campaña de pre save es que el tema o disco se difunda lo máximo posible en Spotify en el primer día de su publicación. Es decir: el pre save es una manera de decirle a Spotify que eres un artista influyente, que estás haciendo promo para posicionar tu canción en Spotify, que tienes una base de seguidores considerable y que ese single tiene el potencial de funcionar.

Es ahí cuando entran los famosos algoritmos, que, basándose en la cantidad de usuarios a los que les ha gustado la canción del álbum durante ese período de tiempo, contribuirán notablemente en su difusión, y por ende en la cantidad de reproducciones.

Así pues, el número de pre saves tiene una influencia casi directa a que dicho artista salte en los aleatorios, aparezca en los radares de “recomendados”, aumente su presencia en la plataforma y su número de oyentes, y, por lo tanto, consiga más notoriedad. Tentador, ¿no?

Por ese motivo es cada vez es más común entre los artistas y discográficas anunciar con antelación los lanzamientos, sabiendo también que es una muy buena forma de crear cierta expectación o generar un vínculo de fidelización con los seguidores. ¿Cómo lo hacen? Fácil: premiando a aquellos usuarios que hayan hecho el pre save con un pequeño adelanto de la canción o disco, o bien con sorteos habitualmente relacionados con algún obsequio firmado o un encuentro exclusivo. Y esa sensación de proximidad artista-fan siempre se agradece, ¿verdad?

Por si todos estos puntos fueran pocos, el pre save también aporta al artista la tranquilidad de saber que su canción o disco ya parte de un inicio “exitoso”. Y aunque eso enfatiza el riesgo de los lanzamientos “sorpresa”, los artistas menos reconocidos agradecen tener esa base sólida como punto de partida. Todo ventajas.

Faldon

Así que, ahora que ya sabes qué es un pre save, no dudes en echar un cable a aquellos artistas que te gusten cada vez que publiquen nueva música. Es una forma muy fácil y sencilla de apoyarlos, que puede suponer algo muy grande para ellos.


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¿Cómo organizar una cena de navidad para tu empresa?

¿Te ha caído el marrón de organizar la cena de Navidad de tu empresa y no se te cae una idea? Pues tenemos 2 noticias para ti: la mala (siempre primero) es que vas tardísimo. Por algún motivo que desconocemos, las reservas de restaurantes/locales/loquesea se han avanzado tanto este año que en el mes de septiembre ya habíamos cerrado 5 cenas con menús definidos y todo… así que si a 9 de noviembre te pones ahora, lo que deberías tener claro es que encontrar algo TOP el viernes 16 de diciembre es una utopía, una quimera, un unicornio. La buena noticia es que no necesitas tener el local más molón de la ciudad para hacer algo que te haga ganarte el respeto de tus compañeros de empresa. A continuación te dejamos algunos de los consejos que hemos aprendido a base de montar saraos navideños de todo tipo, 100% libres de paparruchas:

1. Start with why

El concepto on es nuestro sino de Simon Sinek, por cierto una lectura muy recomendada si buscas un libro que regalar estas Navidades. Lo primero que tienes que hacer es pensar por qué vas a hacer una cena de Navidad (no vale responder que ‘porque me ha caído el marrón’, ponle un poco de ilusión venga). Piensa en la gran oportunidad que supone de suavizar tensiones en la oficina, de festejar retos superados en este 2022, de conseguir ver al departamento de marketing y al de ventas unidos en armonía aunque sólo sea por unas horas… no, en serio: piensa en lo que quieres montar y en por qué quieres hacerlo. Y cuando lo tengas claro, empezarás a ver los siguientes pasos en Matrix: el recinto donde celebrarlo será obvio, el menú lo elegirás a la primera y el DJ de después tendrá la fecha libre porque tenía que tenerla. No se trata de gastar 100€ por cabeza y pillarse una cogorza, se trata de encontrar un propósito a esta oportunidad única en la que además el personal tiene el corazón especialmente tierno. Por favor, no la desaproveches porque sólo pasa una vez al año.

2. Haz y confirma tu presupuesto

Parece mentira que tengamos que decir esto, pero te aseguramos que más del 50% de nuestros clientes nos piden opciones sin tener ni la más remota idea del presupuesto con el que cuentan. Entonces, ¿te pasamos opciones tipo El Palace o tipo El Pachuco? ¿Tuset o Raval? ¿Quieres que actúe Antonio Orozco o Lola Índigo? Nuestra imaginación es casi infinita pero nuestro tiempo no, por lo que te recomendamos no perder tu tiempo -ni el de la agencia que contrates- en ideas vagas hasta que hayas cogido la calculadora y aprobado con dirección la cifra que te permita contestar a todas las preguntas de una forma científicamente probada.

3. La belleza está en el interior

Vale sí, es una frase de La Bella y La Bestia, pero es que además es verdad. Muchos clientes tienden a pensar primero en el local y no se plantean que quizá está en la otra punta de la ciudad de la discoteca a la que quiere ir después todo el equipo, que la comida favorita del 90% de la plantilla es la pizza o que el restaurante que le gusta al organizador cierra cocina a las 23h y las puertas a las 24h cuando la gente lo que está deseando es echarse unos bailoteos juntos después. Lo que hace grande un evento Navideño (y un evento, en general) es el contenido: la manera en la que conoces al equipo y le das exactamente lo que quiere ya sea música en directo, la charla motivacional que necesita, una cena como no se ha pegado todo el año o una actividad dinamizada por la personalidad de la que todos hablan. Así que empieza el contenido, y en función de eso descubrirás dónde tiene sentido hacerlo. Hay un pasaje de Alicia en el País de las Maravillas que habla exactamente de eso, cuando Alicia le pregunta al gato:

“¿Podrías decirme qué camino debo seguir para salir de aquí?

-Esto depende del sitio al que quieras llegar -dijo el Gato.

-No me importa mucho el sitio… -dijo Alicia.

-Entonces tampoco importa mucho el camino que tomes -dijo el Gato. -“

4. El recinto

Ahora sí, una vez sabemos dónde queremos llegar, tomaremos el camino hacia el venue ideal. ¿Cosas que hay que tener en cuenta? Muchas, desde las más genéricas (horarios de apertura, si dispone de servicio de restauración propio, localización y acceso en servicio público, capacidad -para una cena de Navidad el 99% de los clientes quiere cenar sentado-, si dispone de privado o se puede privatizar por completo, etc) hasta más específicas (si tiene exclusividades en cuanto a marcas, proveedores, etc, las tomas de corriente en caso que planees instalar equipos técnicos o el horario en que ‘se puede hacer ruido’ que es algo que muchos no preguntan hasta que es demasiado tarde). Hay mil recintos que te pueden servir una vez que tengas claro lo que quieres hacer, pero dar con la opción perfecta es un verdadero arte que, como todos los demás, se perfecciona con la práctica.

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5. La comida… y la bebida

Para nosotros hay varias premisas que seguimos en este tipo de eventos masivos, y una de ellas es que si hay que elegir entre cantidad y calidad de comida, gana la primera. Si el plato no es lo sofisticado que el asistente espera es una cosa, pero si acaba la cena con hambre, eso es un verdadero problema así que no te líes con el menú. Vivimos en 2022 así que habrá entre un 10% y un 30% de los asistentes vegetarianos, veganos, celíacos y con algún tipo de intolerancia que en algunos casos te dirán por anticipado y en muchos otros casos te enterarás allí, así que tienes que preverlo tú antes de que pase. En serio, no hagas elegir los segundos entre carne y pescado porque ya no se lleva. Y la bebida ¡ay, la bebida! es complicado. Sabemos que es dificilísimo, pero aquí el arte consiste en SÍ darles alcohol pero NO tanto como para que se descontrole. Hay algunos truquitos para lograrlo, pero no pensarás que íbamos a desvelar todas nuestras cartas en este artículo, ¿no? Ese as nos lo guardamos.

6. La chispa adecuada

Y no nos referimos al chispazo. Como decíamos en los primeros puntos, no vale con juntar a todos los empleados en un local bonito, darles alcohol y confiar en que brotará la magia así de repente. Tienes que engrasar un poco sus oxidadas relaciones, sea como sea: que den el cante en un karaoke (o mejor, un live karaoke) para que pierdan la vergüenza, trayendo un mago que les rompa los esquemas y tengan tema de conversación, contratando un DJ muy TOP como los que trabajamos nosotros que son capaces de lograr que el CEO se ponga a bailar Paquito el Chocolatero, diseña un photocal divertido con el que sacarán mil fotos comprometedoras divertidas… no te limites a ser un espectador, ni siquiera un participante más. Si organizas el evento tienes que ser su director y generar en l@s asistentes esa sensación de haber vivido algo único.

Fiesta navidad

7. La decoración, la guinda final

Hay un eterno debate en torno a esto, pero nuestra opinión es que la decoración nunca puede ser el alma del evento. Es la guinda, pero nunca el entrante ni el plato fuerte. Está claro que en experiencias inmersivas (en las que hay mucho presupuesto), en eventos de alto standing (en los que hay mucho presupuesto) o con determinados clientes (que tienen mucho presupuesto) puedes -y debes- trabajar bien la decoración para lograr amplificar el impacto de los contenidos, pero lo cierto es que para el 80% de las cenas de Navidad en las que hemos trabajado (y son muchas) la decoración no ha sido el factor determinante que haya hecho vibrar al personal. Así que con unas plantas de navidad, algo de atrezzo, unas guirnaldas, unas velas LED y quizá incluso un árbol de Navidad estás list@ para triunfar. Si en cambio sacrificas un buen DJ por un precioso montón de coronas navideñas, tu party se va a resentir. ¡Disfruta de una organización para la cena de empresa ideal!

8. Diviértete, ¡es Navidad!

En serio, no conseguirás montar un maravilloso evento navideño sin dejarte contagiar por la magia de esas fechas. Flexibiliza los horarios de llegada con una bebida de bienvenida, organiza un amigo invisible, reparte algunos complementos navideños locos, pon un ambientador que huela a Navidad desde que entran por la puerta, reparte tarjetitas de felicitación navideña, sé cursi y naif… haz lo que te dé la gana, pero una cosa está clara: nunca conseguirás transmitir al equipo algo que no sientas tú primero. Así que saca todo tu espíritu navideño y deja fuera al Grinch de tu fiesta. It’s beginning to look a lot like Christmas…

Fiesta Navidad

¿Has llegado hasta aquí y sigues sin encontrar la inspiración? Escríbenos a ho-ho-ho hola@peculiar.es y te echaremos una mano encantados.


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¿Qué es el código ISRC, para qué sirve y cómo obtener el tuyo?

¿Qué es un código ISRC?

El código ISRC es un acrónimo de su designación en inglés International Standard Recording Code, es decir un código estandarizado con el que se designa de forma única, estandarizada e intransferible a una grabación sonora o video musical. Este sistema fue creado de forma más o menos reciente por la necesidad de la industria discográfica de unificar un criterio de gestión de derechos que les facilitara su labor en la comercialización internacional de este tipo de productos. Importante señalar que un código ISRC identifica a una grabación en particular, digamos que una versión, pero no a la melodía en sí. Es decir que en caso de versiones alternativas, remixes, etc. cada una de ellas tendrá su propio código ISRC.

A grandes rasgos, es como el ISBN de los libros, o como tu número de pasaporte. Como autor es fundamental que registres tu obra con el objetivo de poder hacer un seguimiento adecuado en todos los formatos y plataformas, lo que te permitirá cobrar los royalties derivados de su uso y detectar posibles usos fraudulentos (el pirateo) que puedan ejercerse sin tu permiso.

¿Cómo es un código ISRC y qué significa?

El código se compone de 12 caracteres, que provienen de 4 secciones:

  • A. Código de país: Las primeras dos letras del código designan el país donde se encuentra la sede de la entidad registrante. Por ejemplo si estás en España, tus grabaciones comenzarán con un ES. Es importante recordar que, una vez asignado a un país concreto, ese mismo código no variará independientemente del país en que se realice el lanzamiento posterior, igual que nuestro número de pasaporte no cambia aunque nos mudemos a otro país.
  • B. Código de entidad registrante: Tres dígitos alfanuméricos (por ejemplo A09) que, combinados con los referentes al país, delimitan de forma inequívoca la identidad de la entidad registrante, y se asigna en función de la agencia que solicita el registro. 
  • C. Año de referencia: Son los dos últimos dígitos del año en que ha asignado el código ISRC a una canción, por ejemplo será 22 si se ha registrado en este año. 
  • D. Código de designación: Por último, cinco dígitos numéricos identifican la pista de forma única en el mundo. Recuerda que si tienes que registrar un álbum tendrás que seguir el proceso de registro con cada una de las pistas, los códigos sólo se aplican a una canción.

El resultado final para un registro en España será algo tipo ESA092207706, así sin guiones que únicamente se usan para facilitar la lectura pero su uso podría impedir la correcta verificación del código ISRC.

¿Dónde conseguirlo? Y dónde buscarlo

En España, la entidad responsable de otorgarlos es AGEDI (Asociación de Gestión de Derechos Intelectuales, los conoces porque son los que publican las listas de éxitos). Si quieres puedes hacer el trámite directamente con ellos, pero lo cierto es que casi nadie lo hace así hoy en día porque por suerte distribuidoras digitales como Emubands, La Cúpula, Altafonte, etc. han facilitado muchísimo todo el proceso y no cargan absolutamente ningún coste por la gestión. Que sí, que es gratis. Basta que con que al hacer el proceso de subida en su plataforma dejes vacío el espacio destinado al código para que se encarguen de generar uno automáticamente, y tan pronto como esté distribuido podrás consultarlo en su backend.

¿No encuentras tu código ISRC en tu plataforma y no te brindan ayuda para lograrlo? En el improbable caso de que eso suceda, puedes buscarlo en el registro oficial de la Federación Internacional de la Industria Fonográfica, IFPI por sus siglas en inglés, que es el organismo coordinador a nivel global.


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Tendencias musicales para el 2023 en España

Es evidente que la oferta musical en España es cada vez más amplia, así como la disposición de los oyentes a descubrir sonidos nuevos y adentrarse en estilos desconocidos para ellos. El hecho de tener a mano herramientas que facilitan la escucha activa y gratuita de canciones, y por supuesto el funcionamiento de los algoritmos, ha ocasionado que el consumo de música en este país sea mucho más dispar y rico en variedad. De la misma forma, los prejuicios han pasado a un segundo plano, y las fronteras entre los diferentes géneros son cada vez más difusas. 

Así pues, parece que el sector de la música a escala nacional se encuentra en una nueva era, en la que prima la riqueza cultural, la libertad creativa, y la reconstrucción de las nuevas tendencias. Pero, ¿Qué nos depararán las tendencias musicales para el 2023?

La vuelta del indie

El género indie, popularmente conocido por ofrecer un sonido “poco comercial”, ha sido un gran protagonista en los carteles de los festivales de nuestro país este pasado verano. Era fácil leer los mismos nombres encabezando la lista, y es que no hay nadie que se resista a un bolo de Izal (¿apostamos algo a que no es el fin del proyecto de Mikel?), Viva Suecia, Miss Caffeina, Love Of Lesbian, Sidonie, La M.O.D.A, o Zahara, entre otros. Éxito asegurado.

A favor de esta misma corriente, avanza por la derecha una nueva ola de jóvenes talentos que parece que están despertando un gran interés en las discográficas multinacionales. Hablamos de nombres como Natalia Lacunza, Veintiuno, Arde Bogotá, Niña Polaca, Carolina Durante, o Ginebras.

Este 2023 viene repleto de indie en todas sus vertientes; un estilo que se está desprendiendo poco a poco de la etiqueta underground que llevaba colgada desde hace muchos años, para hacerse un hueco por fin en los grandes escenarios de España.

Y es que aunque muchos medios se han apresurado a anunciar su decadencia, este estudio de Midiaresearch a nivel global demostraba justo lo contrario: midiendo la cuota de mercado sobre esta base de ‘propiedad’, la cuota de mercado independiente (que incluye a los artistas directamente) pasa del 33,9 % (la base de ‘distribución’) al 43,1 %, es decir, un 9,2 % adicional de cuota. O dicho de otro modo, un incremento de 2.100 millones de dólares. La participación independiente aumentó del 41,3 % en 2018, y en 2020, los ingresos independientes (sobre la base de la “propiedad”) crecieron un 12 % en comparación con el crecimiento total del mercado. Todo lo cual significa que los independientes (sellos y artistas) son más grandes de lo que sugieren las medidas estándar de la industria, y crecen más rápido que el mercado total y, por lo tanto, aumentan su participación en el mercado. Hay indie para rato.

Somos muy de pop

Si bien es cierto que el pop nunca muere, se trata de un estilo que cambia de piel constantemente. La gran amplitud de su definición permite que vaya mutando según las tendencias del momento; este año, nombres como Rigoberta Bandini o Varry Brava se han encargado de traer de vuelta el sonido de los 80.

Aunque el verdadero rey durante estos últimos años ha sido el pop-rock de los 2000. Grupos como El Canto Del Loco, Pereza, Despistaos o Pignoise han vuelto a resurgir gracias a los jóvenes nostálgicos que han querido recuperar el sonido de su infancia: Dani Fernández, Pole, Marmi, Marlon, Walls, Hens, o la misma Aitana con su último disco, 11 razones.

Aun así, sus primogénitos, Leiva, Dani Martín, o La Oreja de Van Gogh, siguen reinando en lo suyo. Esperemos que por muchos años más.

¿Con qué nos sorprenderá el pop esta vez?

El nuevo folk

Cuando el nombre de Rosalía empezaba a retumbar en nuestras cabezas por primera vez, se hablaba de una nueva forma del flamenco adaptado a nuestros tiempos. Y aunque es algo que sigue generando debate hoy en día, han sido muchos los que han seguido los pasos de la artista catalana.

C Tangana no tardó en dar el pelotazo con temas como Me Maten o Ingobernable, que iniciaban a la vez su etapa más folclórica. Pero si rebuscamos entre documentos más actuales, el artista urbano Omar Montes ha sacado a relucir su lado más rumbero con el reciente lanzamiento de los temas La Llama del Amor, o Una y Mil Veces. 

Y esta misma fórmula siguen artistas como Nil Moliner o La Pegatina, que defienden sus canciones con un sonido similar a la charanga tradicional del pueblo, y ese viento metal tan característico.

Eso que en un principio nos sorprendía, parece que es cada vez más común tanto en oferta como en demanda. Fijaos en la gran proyección que tuvieron las Tanxugueiras en el Benidorm Fest, con un tema que fusiona la música tradicional en gallego. 

Así pues, parece que estamos en una etapa nostálgica focalizada en la renovación de sonidos tradicionales desde la raíz. Seguro que el 2023 nos tiene muchas sorpresas preparadas.

Aluvión de giras tras la pandemia

Lo que también tendremos en España este próximo año son muchas citas internacionales… parece que todos se han puesto de acuerdo para girar a la vez, y pisar los escenarios de nuestras grandes ciudades. Seguro que tienes un hueco en la agenda para Coldplay, Robbie Williams, Bruce Springsteen, Harry Styles, Taylor Swift, o Blink-182… y si no, deberías ir haciéndolo porque sus giras serán la bomba. No dejes escapar ni de disfrutar de las tendencias musicales para el 2023.


TikTok

Tik Tok para músicos o cantantes: consejos para promocionarse

Lo primero que tienes que tener claro es que si estás arrancando tu carrera musical, da igual lo que postees en Facebook. No vas a petarlo con posts de Instagram. Si te hace ilusión tuitear está guay pero ese canal es para artistas famosos. Si quieres que te descubran, generar engagement, atraer al público que te interesa (luego te explicamos por qué) y en definitiva poderte dedicar a la música… todo lo que no sea TikTok es una inversión en tiempo muy difícil de recuperar.

Pero no lo decimos nosotros, lo dicen los que más saben de plays: las discográficas. Dos ejemplos: hace ya años que Sony paga a sus artistas -y no a los pequeños sino a los grandes, pero no diremos nombres aquí- cursos de uso de TikTok para que no se queden atrás, para que no pierdan el tren. En el caso de Universal la cosa va más allá: la discográfica creó recientemente un departamento para generar trends. Quizá te parezca el mundo al revés (a nosotr@s también) pero lo cierto es que primero crean el baile para TikTok que después dará lugar a la canción. Empiezan por el gancho comercial, y si eso se viraliza ya tienen el hit asegurado. Aquí podéis ver a Aitana aprendiendo el suyo:

@holaitana

fácil es… pero he tenido muchos vídeos fails, las cosas como son #MonAmourRemix #Fail #monamourchallenge

♬ Mon Amour - Remix - zzoilo & Aitana

A veces pasa al revés: que la comunidad del artista se inventa un baile que ‘cuaja’ y es el artista el que se apunta a la tendencia… pero sinceramente cuando hablamos de grandes artistas las casualidades son las justas.

¿Por qué TikTok?

Si tuviéramos que resumirlo mucho, diríamos 3 motivos:

1. La edad. Sólo en Europa tiene más de 100 millones de usuarios, de los cuales el 70% son menores de treinta años, es la red favorita de la famosa generación Z. ¿Y por qué te interesa ese público? Porque son los FANS. Así, con mayúscula. Es difícil sorprender, cautivar, fidelizar… a un oyente de 40 años, pero en cambio a un/a niño/a de 18 años las modas le vuelven loco/a, un nuevo hit se convierte rápidamente en su himno vital y alberga más fácilmente esa fascinación hacia los artistas que las generaciones más mayores. Quizá nunca lo has pensado, pero las bandas que triunfan mucho siempre van destinadas al público más joven, desde El Canto del Loco a Camilo, desde Ariana Grande a Aitana. Es así, siempre. Y no sólo porque te sigan en ese momento, sino porque tendrás un recorrido mucho más largo con ellos que si enganchas con un oyente de 40 o 50 años que no va a ir a verte en festivales ni según a qué salas o a qué horas. 

2. El algoritmo. De Facebook o Twitter ni hablamos porque no son relevantes para darte a conocer, pero en Instagram hasta hace poco el algoritmo sólo mostraba contenidos de perfiles a los que seguías… hasta que vio el éxito de TikTok y tuvo que rectificar a mediados de 2022. Ahora esta red social te muestra más y más contenidos recomendados en función de tus intereses, como hace TikTok, y ahí está precisamente tu gran oportunidad de ser descubierto. Mientras que en las otras redes no tienes ninguna oportunidad, aquí tu éxito dependerá de la medida en que logres hacer contenido atractivo que genere engagement con los usuarios. En este artículo te damos algunas claves para lograrlo.

3. El formato. Por un lado los humanos, por definición, queremos ver cosas que nos resultan familiares, conocidas. Hablamos bastante de esto en nuestro artículo de 5 consejos para lanzar un single sin morir en el intento por si te interesa profundizar en el tema, pero el caso es que la gran mayoría de gente no está dispuesta a escuchar música nueva, y la única forma de conseguirlo es a través de la repetición. Por eso los challenges de los bailes son tan efectivos: porque sin darnos cuenta escuchamos 15, 20 o 50 veces seguidas el estribillo de una canción mientras cómo gente los baila. Para cuando pasamos al siguiente contenido, ya nos la sabemos… nos guste o no, que es lo de menos en realidad. Por otro, un estudio publicado recientemente apuntaba que los jóvenes pueden mantener la atención un máximo de 8 segundos, un formato que en TikTok encaja a las mil maravillas. Si quieres captar la atención de tu (potencial) audiencia, vas a tener que hacer un ejercicio de síntesis muy heavy.

Algunos consejor útiles para promocionar tu música en TikTok

No hagas challenges propios al principio. El #ChampettaChallenge de Shakira logró que sus seguidores publicaran más de 5 millones de videos con su hashtag, pero es que lo lanzó en la Superbowl. Y es Shakira. Lo primero que tienes que entender es que la gente quiere ver productos auténticos, si les das la brasa con los challenges para crecer pero no tienes una fanbase establecida, puede que quede un poco ridículo y no te servirá para absolutamente nada.

Pero súmate a los challenges de los demás. En serio, que no te dé vergüenza porque lo hace hasta Bad Bunny. Como decíamos más arriba, la gente quiere ver contenidos conocidos así que es buena idea grabar covers originales de canciones en tendencia para tratar de atraer seguidores que busquen por hashtag o palabra clave, porque casi el 40% de la Generación Z prefiere buscar en TikTok e Instagram antes que en Google.

Antes de postear, diseña tu propio estilo. Es tan importante el QUÉ vas a contar como el CÓMO lo vas a contar, y para ello puedes coger ideas de los mejores: aprender de los bailoteos de Jason Derulo (con 55 millones de seguidores), tirar de duets como Jacob Collier o tirar de humor como el genial Roi Mendez. Todo vale. Pero necesitas elegir un camino y seguirlo con coherencia, si quieres que aquellos que te descubran vean más vídeos y te empiecen a seguir.

No te flipes: trabaja con los influencers que tengas a tu alcance. Microinfluencers. Nanoinfluencers. Lo que sea, pero colabora con gente que conozcas para que compartan tu contenido en su perfil. Nosotros no recomendamos ir persiguiendo a influencers porque es frustrante, lleva mucho tiempo y difícilmente tendrá resultado. Es mucho mejor pedir que compartan a tu equipo de fútbol, a tu colega que tiene 3.000 seguidores, a tu compañer@ de clase, a un manager que conozcas o a quien tengas a mano. Hazte una lista de las personas que te pueden ayudar en tu camino y ofréceles echarte un cable sin compromiso. Fliparás con la cantidad de ayuda que recibes.

Da la cara. Sí, probablemente te parecerá ególatra, cansino y quizá te da un poco de vergüenza… pero no queda otra. Apúntate la cámara a la cara y cuenta algo divertido, súmale unos filtros y unos subtítulos (ni se te ocurra subirlo sin ellos) y postea un día tras otro hasta que te sientas cómodo con ello. Mira Sam Ryder. Tu música es lo más importante, pero los seguidores en redes son fans de la persona que hay detrás, y eso es lo que deberás desarrollar en TikTok.

Utiliza hashtags. Una buena combinación entre los que son tendencia y los que definan tu contenido te ayudará en tu objetivo. Para inspirarte, lo mejor es consultar el TikTok Creative Center donde puedes extraer muchas otras métricas interesantes de lo que se cuece actualmente.

Promoción de contenidos. Sabemos lo que estás pensando… pero sí, a veces un empujón económico hace que se aceleren mucho los procesos de crecimiento. Porque te da un volumen de interacción en tus posts que hace que se muestren más los vídeos, que la gente que los descubre les tenga más consideración y porque en definitiva la plataforma premia la interacción sea como sea. Nosotros lo hemos probado con varios artistas, y funciona siempre y cuando forme parte de una estrategia coherente con los contenidos orgánicos.

Faldon

Esperamos haberte ayudado con este artículo, si tienes cualquier truco extra nos encantaría leerlo, déjanoslo en un comentario a continuación. ¡Te leemos!


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Qué es un éxito musical y principales características

Si el concepto de “éxito” ya es amplio, abstracto, e incluso subjetivo, ¿cómo definimos lo que es un “éxito musical”? El número de respuestas diferentes a esta pregunta puede ser tan dispar, que sería imposible dar una sola por válida. Sin embargo, creemos que estos pueden ser algunos de los factores a destacar a la hora de desglosar el concepto:

  • Cantidad de streams. Existe la creencia de que los mayores éxitos son los que cuentan con más reproducciones en las plataformas digitales o números uno en las listas de streaming. Esta es quizás una de las fórmulas más superficiales a la hora de medir la repercusión de una canción, pero es igualmente práctica y válida.
  • Atemporalidad. Aunque es evidente que los gustos musicales evolucionan, así como las tendencias de los creadores y los oyentes, hay canciones que son completamente atemporales. Sin ir más lejos, cualquier tema de The Beatles, The Rolling Stones, o Queen sigue siendo un gran éxito hoy en día; y es que hay melodías y letras que son eternas.
  • Directo. Más allá de la repercusión que pueda tener o no en plataformas, una canción adopta una nueva dimensión cuando es interpretada en directo. El éxito está en la reacción del público, en cómo éste la canta y la hace suya, y en cómo se construye algo mágico alrededor de unos acordes, un solo de guitarra, una intro de batería o un coro cantado a pleno pulmón. Si todo eso converge, dicha canción opta a ascender a la categoría de “himno”. Pero eso es otro tema.
  • Variedad de público. Está claro que todos tenemos preferencias en cuánto a géneros musicales, artistas o “rollos”, pero hay temas que están por encima de todo eso: canciones a las que llaman “universales”; que nos gustan a todos, que no podemos dejar de tararear, o que, por lo menos, todos nos atrevemos a calificar como “temazo” (aunque no tenga absolutamente nada que ver con nuestro gusto habituql). Esas de las que nadie ha sabido descifrar qué es lo que tienen, pero lo tienen.
  • Opinión de profesionales y críticos. El público manda, pero… ¿quién va a saber más de música que los propios músicos? Un factor determinante en el éxito de una canción es la opinión objetiva de los profesionales del sector. Aquellos que componen temas, que conocen la complejidad y dificultad del proceso, y que además entienden la técnica, son los más indicados para determinar si una canción merece la etiqueta de “éxito”.
  • Más allá del artista. Las verdaderas obras de arte trascienden más allá de su creador. Son muchas las canciones que escuchamos porque las ha publicado X artista, pero, ¿las escucharíamos si las lanzara otro? Un éxito debe serlo por sí mismo, y no por quién la haya firmado. Sino, fíjate en los llamados “One Hit Wonder”; aquellos cantantes que han triunfado con una sola canción, pero absolutamente nadie recuerda sus nombres.

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Una vez sentadas las bases más abstractas de lo que consideramos un éxito musical, ¿cuáles serían sus principales características? Se trata de una fórmula indeducible, con una pizca de algo mágico que nadie jamás podrá descifrar, pero es cierto que hay algunos componentes que pueden ayudar:

– Utilizar pocos acordes. Una rueda de acordes sencilla será más fácil de recordar para la memoria auditiva del oyente. Cuanto más se repita la estructura, más probabilidades habrá de que sea pegadiza.

– Compás cuatro por cuatro. Seguro que has tenido en bucle algún tema que te dejó indiferente en la primera escucha. Aquellas canciones con compás cuatro por cuatro son más agradables y fáciles de entrar por el oído desde el primer momento. Los ritmos binarios simples son más pegadizos y atractivos.

– Todo lo que suene épico es garantía de exitazo: segundas voces, coros, solos de instrumentos, cambios de tono, subidones en el estribillo…

– Pocos instrumentos. Aunque parezca mentira, hay más madera de éxito en un tema en que cada instrumento funcione por sí mismo y tenga su protagonismo. Así pues, cuantos menos haya, más valor cobrará cada uno de ellos.

– Longitud y velocidad. Si tenemos en cuenta otros aspectos, la duración de la canción podría convertirse en un factor clave para el éxito de ésta. Cada vez es más habitual recortar temas cuando suenan en la radio. Difícilmente tendremos otro éxito de casi 6 minutos como el mítico Bohemian Rhapsody. Los bailes de 60 segundos de Tik Tok lo corroboran.

– Acorde a la tendencia. Nuestros antepasados eran amantes de las baladas, ahora igual nos atrae más un ritmo rápido que sea fácil de acompañar con una coreografía. “Seguir la corriente” es quizás lo más inteligente si el objetivo es crear un éxito musical… pero eso no garantiza la atemporalidad, ni mucho menos. Sólo hay que echar un vistazo a la lista Greatest of All Time Hot 100 Songs que elabora la prestigiosa Billboard para ver la cantidad de temas poco convencionales (con su propia época, claro está) que la encabezan.

 

¿Cuál es tu éxito musical favorito de todos los tiempos? ¡Te leemos!

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Nombre artístico: cómo elegirlo y ejemplos curiosos

Mucha gente cree que el primer paso en el proceso de creación de un proyecto musical o creativo es elegir un nombre artístico. Para ellos, es el punto de partida sobre el cual se empieza a construir todo lo demás. Para otros, en cambio, es el último paso. ¿Cómo puedes definir en un solo nombre algo que no está del todo definido? En cualquier caso, no es nada fácil.

Un nombre artístico puede servir para proteger la identidad, para plantear el proyecto como la creación de una marca, para separar la vida personal de la vida profesional, o bien para enfatizar la diferenciación en el mercado o la industria musical. En definitiva, es la base de la imagen de marca que vas a presentar al público.

Por ese motivo, es importante elegir un nombre con el que te identifiques realmente y que refleje tu personalidad.

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Factores a tenes en cuenta a la hora de elegir un nombre de artista

  • La historia. En muchas ocasiones te van a preguntar el por qué o el motivo de la elección de ese nombre. Siempre es interesante que tenga una historia por la cual la gente lo recuerde y lo relacione contigo. Investiga sobre tu nombre y lo que este quiere decir, como el caso de Imagine Dragons que según ellos es un anagrama de la idea original que tuvieron… y 14 años más tarde aún no han desvelado a qué se refiere.
  • La pronunciación. Aunque parezca insignificante, es importante que la pronunciación sea fácil, ligera, y genere la mínima confusión posible. El boca oreja será la clave para la difusión de tu trabajo. Somos muuuuy fans de la música de RY X, pero con el nombre no estuvo tan fino… si pensamos en The The, pues un poco lo mismo, o en L.A. de Luis Alberto Segura. La intención es buena, pero la práctica no será fácil.
  • La originalidad. Evita imitar el nombre de otro artista cambiando sonidos o letras, eso te restará originalidad. Seguro que el cantante urbano Morad y la banda colombiana Morat están hartos de que los confundan constantemente. Ten en mente que eres único y reflejalo en tu nombre.
  • La memorabilidad. Un nombre artístico debe ser fácil de recordar, claro, y sencillo a la hora de escribirlo o leerlo. Cuánto más corto sea, más fuerza tendrá. Los nombres largos son mucho más propios de las bandas, como es el caso de Love of Lesbian (que lo eligieron a toda prisa en un concurso de bandas para tratar de llamar la atención del jurado), La Oreja De Van Gogh o El Último de La Fila. Luego está La Polla Records, que bueno… fueron algo más lejos.
  • La temporalidad. Piensa en un nombre que crezca contigo y que veas a largo plazo. Como si se tratara de un tatuaje del que es muy difícil desprenderse y que permanece en tu piel para siempre. Ten en cuenta que si lo cambias, no solo pierdes credibilidad, sino que puedes generar confusión entre el sector y entre el público. A veces es un proceso natural, como David Otero que tardó años en atreverse a desligarse de su pseudónimo ‘El Pescao’ porque no le representaba más.
  • El género musical. Aunque no sea determinante, puedes fijarte en los nombres de tus compañeros de profesión, en función del género musical en el que te enfoques. Los nombres del género urbano, por ejemplo, suelen seguir un patrón parecido: Tangana, Karol G, Anuel AA, Recycled J, Becky G, J Balvin, etc. Entre las bandas indie, en cambio, parece que hay una tendencia a recurrir a nombres de ciudades o lugares. Fíjate en Arde Bogotá, Viva Suecia, Conociendo Rusia, I’m from Barcelona, London Grammar, Australian Blonde, Of Montreal o Playa Cuberris.

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¿En qué te puedes inspirar a la hora de elegirlos?

  • Apodos/sobrenombres: El verdadero nombre del Arrebato es Javier Labandón, pero su nombre artístico se debe a su abuela Leonor, quien de pequeño le llamaba “arrebato” por su actitud inquieta y rebelde. Algo parecido sucede con Macaco, quien eligió ese pseudónimo por su hermana, que le solía llamar así por ser “inquieto como un mono”. El caso de Leiva sigue esta línea; así es como le llamaban sus amigos de pequeño a raíz de su gran parecido al futbolista Leivinha, ex-jugador del Atlético de Madrid.
  • Nombres, apellidos, y segundos nombres: Seguro que conoces a Juanes, autor e intérprete de temazos como La Camisa Negra, A Dios le pido, Me enamora, o Volverte a ver. A lo largo de su trayectoria, su nombre de artista ha generado confusión por ser el plural de Juan, pero la realidad es que es una fusión de sus dos nombres: Juan Esteban. Y como él, una larga de artistas han usado este recurso para encontrar su pseudónimo: Alejandro Sánchez Pizarro (Alejandro Sanz), María Lucía (Malú), Enrique Martin Morales (Ricky Martin), o Marco Antonio Muñiz (Marc Anthony).
  • Nombre de pila: Muchos artistas creen que la forma más auténtica de mantener su esencia es firmar su obra con su nombre de pila. Pablo López, Manuel Carrasco, Antonio Orozco, Vanesa Martín, Aitana o Rosalía son algunos de los ejemplos más populares.
  • Alter ego: Stefani Joanne Angelina Germanotta, más conocida como Lady Gaga, es el claro ejemplo de la creación de un alter ego. Gaga ha conseguido construir, a raíz de su nombre artístico, un personaje excéntrico y majestuoso que todos reconocemos de inmediato. Quizás no conozcas a Pete Gene Herández, pero cuando se sube a un escenario se convierte en Bruno Mars. ¿Te suena?
  • Personalidades históricas: Aunque es posible que el primer ejemplo que te venga a la mente sea el de Quevedo, intérprete del tema del verano junto con Bzrp, cabe mencionar que su pseudónimo es su verdadero apellido y no una referencia al famoso escritor del Siglo de Oro, Francisco de Quevedo. Aun así, puede ser una buena idea rebuscar entre los libros de historia y filosofía para inspirarse y construir un nombre de artista. A Alejandro Sanz no le fue demasiado bien como Alejandro Magno… pero ¿quién sabe?
  • Personajes de series o películas: Elmer Figueroa Arce se inspiró en una serie de televisión que veía su madre para elegir su nombre artístico, Chayanne. Seguro que tienes una serie favorita, una película que te ha inspirado, o un personaje con el que te sientes especialmente identificado. ¿Y si pruebas a darle una vuelta?

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Como ves, la elección de un nombre artístico es algo muy amplio, abstracto y subjetivo, pero puede ser un proceso muy divertido y provechoso a la hora de autoconocerse como artista y de analizar lo que se quiere transmitir de cara al público. Por cierto, ¿cuál es el nombre más curioso de artista que conoces? Déjanoslo en un comentario, ¡te leemos!


Festivales de pequeño formato

Festivales de pequeño formato, ¿auge o decadencia?

Colas asumibles, espacios fluidos, entornos naturales, gastronomía local, compromiso con el medio ambiente, cercanía con el público… los festivales de pequeño formato son el alfa y el omega de la música en directo. Un formato que, al igual que el vinilo en el ámbito discográfico, resiste a las embestidas de propuestas más comerciales.

Festivales de pequeño formato

A diferencia de los grandes eventos, la mayoría de festivales de pequeño formato se realizan en poblaciones alejadas de las grandes capitales. De esta manera, no solo colaboran en la economía y el turismo local,  sino que también ponen en valor la riqueza cultural y el patrimonio natural del territorio. En un país con casi un millar de festivales como es el nuestro, la tendencia suele ser a crecer y crecer para optimizar los beneficios en detrimento de los servicios… pero todavía hay promotores que van en la dirección contraria, apostando por una experiencia mucho más especial, auténtica y diferenciada.

Además, los festivales de pequeño formato son una oportunidad para los nuevos talentos que no cuentan con el soporte de la industria y que quieren darse a conocer y crecer en el sector cultural. Mientras que los line ups de las grandes citas son prácticamente idénticos por la necesidad de atraer al público sí o sí, en este tipo de festivales la contratación es más creativa, pudiendo dar buenos slots a bandas que no tendrían oportunidad en los masivos… y de estos conciertos salen -o dan el gran salto- los artistas que acaban llenando salas de conciertos y estadios.

Rosalía actuó en uno de los siguientes festivales como artista emergente en 2017, ¿sabrías decir cuál?

Neu

Festival NEU!: diversidad musical en invierno

 El NEU! nació en 2014 con un espíritu multidisciplinar, poniendo la música como epicentro de todas las artes que le rodean y con el fin de compartir arte sin perjuicio. Su programación combina artistas consolidados y creadores emergentes, locales e innovadores. La característica más destacable de éste festival es la diversidad de estilos de música que ofrece. Dado que el perfil de público varía según el artista que actúa, se consigue llegar a un mayor número de personas.

Vida Festival: artistas nacionales e internacionales, consagrados y emergentes 

El Vida es un festival de formato mayor que se celebra algunos días del mes de julio en la capital del Garraf: Vilanova i la Geltrú. El festival engloba distintas disciplinas artísticas con la música como nexo de unión y cuenta con una programación de artistas tanto consagrados como emergentes. En esta edición han encabezado el cartel Parcels, Belle & Sebastian, Alizzz, Guitarricadelafuente… pero también han participado talentos menos conocidos como La Ludwig Band, Mishima, Anna Andreu y Pau Riba. 

Emergent

Festival Emergent: 6 pueblos, 28 artistas y 18 ediciones

El Festival Emergent es un evento que se celebra entre los meses de junio y julio en seis poblaciones de Gerona, con el objetivo de acercar la cultura a los pequeños municipiosEn cada uno existe una programación diferente de cinco artistas que hacen artes escénicas: música, danza, magia, teatro, etc. Todos los carteles están encabezados por un artista consolidado, seguido de cuatro emergentes. Aunque este tipo de oferta sea arriesgada porque la mayoría de los creadores son poco conocidos, su dinámica sucesión de actuaciones de corta duración siempre logra sorprender al espectador. 

Festival Cantilafont: cultura lejos de las grandes ciudades

El Festival Cantilafont es un festival de arte y gastronomía que se celebra anualmente en diferentes pueblos de la comarca del Lluçanès. Su principal objetivo es descentralizar la cultura y acercarla a la población del territorio, mostrar el patrimonio natural y rural de la comarca y promover productos gastronómicos locales. Además, con la intención de dar valor a los productos de proximidad, el festival promueve productos de kilómetro cero respetuosos con el medio ambiente. La programación del Cantilafont cuenta con propuestas musicales y espectáculos de artes escénicas como circo y danza. Este 2022 han celebrado diez años de historia, per molts anys!

cantilafont

Después de conocerlos, ¿asistirás en la próxima edición de alguno? ¿conoces otro festival que no hayamos mencionado? Escríbenos un comentario a continuación, ¡te leemos!


versiones acusticas

Versiones acústicas: qué son y algunos buenos ejemplos

En pleno 2022, en un mundo musical dominado por el trap y el reggaeton, apenas se oye hablar de las ‘versiones acústicas’ que revolucionaron la industria musical en los 90s, aportando versiones alternativas a las canciones que conocíamos lo cual conseguía 2 cosas: la atención asegurada del oyente (no olvidemos que sólo queremos escuchar aquello que nos resulta familiar, como explicábamos en este artículo) y unos ingresos extras con muy poco trabajo.

Pero más allá del enfoque puramente empresarial, las versiones acústicas tienen una magia innegable, que desprovee la canción original de toda su armadura para dejarnos ver su esencia más pura, y hay verdaderas joyas resultado de ese ejercicio de desnudez.

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¿Qué es una versión acústica?

En su sentido original, se refería a aquella composición que se basaba en instrumentos que tienen resonancia (como la mayoría de instrumentos clásicos) y evitaba todos aquellos eléctricos (guitarra o bajos) o electrónicos (teclados, baterías, sonidos sintetizados, etc.).

Es una noción un poco clásica basada en buscar ese tipo de sonidos ‘naturales’ de los instrumentos en contraposición a la electrónica que invadió la música a partir de la década de los 60s con precursores como Kraftwerk, Frank Zappa, Pink Floyd y The Beatles, pero fundamentalmente a partir de los 80s con el nacimiento del house, el techno y el electro que revolucionaron el consumo de la música para siempre.

¿Por qué gustan las versiones acústicas?

Ojo, no a todo el mundo. La mala noticia (siempre hay que empezar por ella) es que estas versiones quitan casi todos los arreglos originales de las canciones, cosa que a día de hoy suponen la mayoría del éxito de un tema y de hecho es lo que se valora de los grandes productores: que sepan introducir con finura el autotune, que sean creativos con los hooks (y no se pasen), que aporten nuevas sonoridades al tema original… y bueno todo lo que queremos complicarlo.

Pero en resumen: que estamos TOTALMENTE acostumbrados a escuchar temas con cientos y cientos de arreglos cada día, con lo que su ausencia se nota cada vez más y quizá sea esa la razón por la que han perdido su popularidad en los últimos años.

La buena noticia es que una -buena- versión acústica es mucho más que ‘quitar’ los elementos adicionales: está más cerca de una pintura impresionista que de una escultura. Se trata de coger la esencia de la canción (y para ello a veces incluso los propios compositores tienen que buscarla) y elegir aquellos instrumentos que nos ayuden mejor a transmitirla. Cuando están bien hechas, son más una reinterpretación que una versión reducida. No consiste en quitar instrumentos, sino en anteponer la esencia al artificio, la emoción a la técnica.

Muchas de las versiones acústicas que han pasado a la historia no suenan perfectas… pero transmiten tanto, conectan tanto con el oyente y nos dicen tanto del artista que nos llegan a gustar incluso más que la original.

En directo: acústico vs eléctrico.

En la industria de la música solemos emplear estas nomenclaturas para referirnos a las 2 versiones del show que tiene un artista: la primera suele ser un set reducido con menos músicos, menos backline, menos rider en general y desde luego mucho más sencillo de implementar en cualquier escenario. A los promotores les encanta porque suele ser más barato y muchas veces vende los mismos tickets que el eléctrico, porque al final lo que quiere el público es ver a su artista favorito… y además si por ejemplo siempre lo han visto en formato completo, la versión acústica es una rareza que introduce un plus de novedad.

El 99% de los artistas tienen preparado formato acústico para poder ir a las radios, presentaciones de discos y demás compromisos en los que no pueden ir con toda la banda, aunque lo cierto es que algunos de ellos -sobre todo en estilos como el trap- pasan de los instrumentos directamente así que tiran la base y cantan sobre ella. Esa es su versión acústica. Muy ortodoxo no es desde luego… pero las reglas están para romperlas.

Mejores programas para escuchar y ver versiones acústicas

MTV Unplugged

Existen 2 programas de referencia para los amantes de las versiones acústicas: uno es el MTV Unplugged, lanzado por la entonces popular cadena televisiva en 1989 con el fin de aprovechar el tirón de bandas consagradas en un formato distinto que no sólo se distribuyó en su canal sino que dió lugar a beneficios millonarios en forma de DVDs.

Gracias a este programa podemos disfrutar de actuaciones tan legendarias como las de Nirvana, Eric Clapton (que ganó 6 premios Grammy), KISS (que reunió a la banda original después de una década y tuvo tanto éxito que les empujó a salir de gira), The Cure, Oasis (aunque Liam Gallagher no se presentó ese día y Noel tuvo que ponerse al frente), Bryan Adams que vendió más de 3 millones de copias del disco, Alejandro Sanz que fue el primer español en participar… este programa nos ha dejado momentos musicales que llevaremos siempre con nosotros.

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LIVE LOUNGE

El otro programa, más actual, que lleva años dándonos alegrías (y alguna que otra sorpresa) es LIVE LOUNGE de la cadena inglesa BBC Radio1. ¿Qué tiene de especial? Que la principal cadena de radio inglesa decidió que iba a pedir un poco más a los artistas que fueran a presentar su tema: si querían ir al programa a tocar su nuevo single, deberían tocar también una versión. Cualquier canción de cualquier artista que quisieran, pero sin cover no hay presentación. Y hablamos de artistas como Ed Sheeran,Taylor Swift, Maroon 5, Paolo Nutini, Sam Smith, Chvrches, James Bay… top of the pops. De ese ejercicio de revisión de los temas por artistas realmente brillantes han salido versiones maravillosas que esperamos que hayáis escuchado ya… y si no es así deberíais correr ahora mismo a su perfil de youtube donde cuentan con casi 8 millones de suscriptores. Por algo será. También otros programas como los Tiny Desk Concerts de NPR o los VH1 Storytellers nos han dejado versiones acústicas verdaderamente especiales.

Os dejamos nuestro TOP10 de versiones acústicas, algunas de ellas porque son míticas, otras porque son realmente creativas y otras porque simplemente tienen algo fuera de lo normal. Si queréis recomendarnos alguna en un comentario, ¡estaremos encantados de escuchárnosla!

 

Ejemplos de versiones acústicas