Jorge Gosalbez

La meca de la electrónica

La historia de Tomorrowland comenzó en la ciudad belga de Boom, donde los hermanos Beers fundaron el festival en 2005. La primera edición del festival atrajo a 9.000 visitantes y contó con la presencia de artistas como Armin van Buuren y Sven Vath. Desde entonces, el festival ha crecido de manera exponencial, convirtiéndose en la cita de referencia a nivel mundial.

Cada año, el festival reúne en su main stage a algunos de los artistas de música electrónica más importantes del mundo, y en 2023 tendremos el privilegio de contar con dos mujeres DJs españolas en él… pero no hagamos spoilers todavía. Además de la música, el festival cuenta con una impresionante producción visual y escénica, con escenarios megalómanos y un ambiente mágico que atrae a los visitantes de todo el mundo. Pero Tomorrowland es más que solo un festival de música: es una experiencia completa, que combina la música, el arte, la tecnología y la cultura en un solo evento. El festival cuenta con una gran variedad de actividades, desde talleres y exposiciones hasta presentaciones de moda y deportes extremos. Además, el festival es conocido por su compromiso con la sostenibilidad y la responsabilidad social, trabajando con organizaciones benéficas y proyectos de conservación ambiental.

La trascendencia de Tomorrowland en el mundo de la música electrónica es indudable: el festival ha inspirado a otros festivales de música electrónica en todo el mundo, y su modelo de producción y organización se ha convertido en un estándar para la industria de la música.

Y en este marco incomparable encontraremos nada más y nada menos que 10 artistas españoles este año, con una gran variedad de perfiles y estilos diferentes pero todos ellos con algo en común: una calidad fuera de lo normal. ¡Vamos a verlos!

1. Abel Ramos

Domingo 30 julio – Yves V presents V SESSIONS (con Brian Cross)

Este madrileño nacido en 1975 comenzó su carrera en la música en la década de 1990 como residente en la mítica discoteca madrileña Kapital. Desde entonces, ha sido uno de los referentes de la música house y techno en España, y ha colaborado con algunos de los artistas más destacados de la escena musical, como David Guetta, Axwell, y Erick Morillo, entre otros. Abel Ramos es un DJ y productor español de música electrónica. Comenzó su carrera en la década de 1990 y se ha convertido en uno de los artistas más reconocidos de la escena electrónica española. Ha lanzado numerosos sencillos y álbumes en sellos como Armada Music y Spinnin’ Records, y ha actuado en algunos de los festivales de música electrónica más importantes del mundo, incluyendo el Ultra Music Festival y el Tomorrowland.

Su show será back2back con Brian Cross, un espectáculo a 4 manos sobre el que ha declarado que “estoy muy emocionado de poder pinchar con el que considero como a un hermano. Creo que le va a aportar mucho carisma y dinamismo a la sesión y estoy seguro cien por cien de que lo vamos a pasar genial.”

2. B Jones

Sábado 22 de julio,escenario Crystal Garden 

Viernes 28 de julio, main stage 

Esta DJ y productora originaria de Ibiza sorprendió al mundo en 2022 cuando se convirtió en la primera artista española en subirse al escenario grande del festival belga… y parece que gustó, porque este año repetirá ¡y por partida doble! una de ellas en el Crystal Garden y 6 días después en el main stage compartiendo protagonismo con Hardwell, Tiësto o Steve Angello. Todo un premio para esta DJ que se ha ganado la reputación a base de talento y trabajo duro que se han visto recompensados con un año espectacular, incluyendo su residencia semanal en el COME CLOSER del Hard Rock Hotel Ibiza y su paso por festivales en todo el mundo, como Parookaville, Mysteryland, Neversea, DWP, MDLBEAST Soundstorm Festival, Dreamfields México y Dreambeach.

3. Brian Cross

Domingo 30 julio – Yves V presents V SESSIONS (con Brian Abel Ramos)

El catalán fue quien abrió la lata de Tomorrowland, cuando en 2019 se convirtió en el primer DJ español en actuar en el festival. Nacido en Barcelona en 1979, comenzó a interesarse por la música desde joven y pronto se convirtió en uno de los DJs más destacados de la escena española pinchando en algunos de los mejores clubes y festivales del mundo junto a artistas de la talla de David Guetta, Armin van Buuren, Calvin Harris o Avicii.

Brian Cross ha lanzado varios álbumes a lo largo de su carrera, incluyendo su primer álbum “Popcorn & Sex” en 2011, y ha colaborado con numerosos artistas internacionales como Inna, Yandel, Abel The Kid, o Sophie Ellis Bextor, entre otros. También ha sido el creador y presentador de programas de radio como “The Brian Cross Radio Show”, que se ha emitido en más de 30 países. Además, ha sido nominado en varias ocasiones a los premios DJ Awards en Ibiza y ha ganado el premio al mejor DJ de la ciudad de Barcelona en 2011 y 2012. Brian Cross continúa cosechando éxitos en la escena musical y es considerado uno de los DJs españoles más destacados y exitosos del panorama internacional.

4. Broken Minds

Viernes 28 julio – Footworxx Stage

Prepárense a sudar la camiseta con los hermanos Raúl y David González. Este dúo de DJs alicantinos son famosos por su estilo musical agresivo y por su capacidad para mezclar distintos géneros, como el hardcore, el uptempo y el terror en un directo que desprende energía por sus cuatro costados.

Desde sus inicios en 2012, han lanzado numerosas producciones que han sido bien recibidas por el público y por la crítica especializada y actuado en importantes festivales como Dominator, Q-Base, Defqon.1, Masters of Hardcore y Thunderdome, entre otros, aunque su mayor reto llegará este verano en el Tomorrowland… habrá que verlo. Y bailarlo, claro.

5. Ender

28 de julio – Footworxx stage (vs Massive Disorder)

Nacido en Madrid en 1990, comenzó su carrera musical en 2011 como DJ de clubes locales en su ciudad natal moviéndose dentro del techno y el tech-house, con un sonido oscuro y contundente que hace vibrar a la pista de baile. Sus sets suelen ser intensos y enérgicos, manteniendo siempre un equilibrio entre la melodía y el ritmo. Además de su faceta como DJ, Ender también es productor musical. En 2016 lanzó su primer EP, titulado “Black Rain”, a través del sello discográfico madrileño Analog Records. Desde entonces, ha publicado varios trabajos más en sellos como Be One Records, No Preset y Progrezo Records.

6. Indira Paganotto

Domingo 30 de julio – Main Stage

Esta DJ y productora canaria (aunque residente en Berlín) combina elementos de techno, house y electrónica experimental con una maestría como pocos. Después de sorprender al público de Tomorrowland con un pedazo de sesión en 2022 desde el Atmosphere Stage, este año le llega la hora de subir al escenario principal para cerrar la última jornada del festival por todo lo alto.

Indira, cuyo padre ya era DJ, comenzó su carrera en la escena underground de Barcelona en la década de 2000 y ha lanzado varios sencillos y EPs en sellos como Suara y Octopus Recordings. Además también ha sido co-fundadora de la plataforma de música y arte MEAT Recordings y ha participado en proyectos de colaboración con otros artistas, como el colectivo de techno femenino She Made. A sus 30 años, está lista para comerse el mundo.

7. Hector Oaks

Viernes 28 de julio – Atmosphere Stage

Este madrileño de 33 años ha sido descrito como uno de los artistas más innovadores y versátiles de la escena techno actual. Comenzó su carrera en la década de 2000 como DJ en la escena underground de Madrid y ha lanzado varios sencillos y EPs en sellos como Key Vinyl y Sonntag Morgen. También es el fundador del sello OAKS y ha actuado en algunos de los festivales de música electrónica más importantes del mundo, incluyendo el festival Awakenings y el festival Dimensions. Si te gustó su set en Tomorrowland 2022… ¡prepárate para flipar con lo que viene!

8. Massive Disorder

28 de julio – Footworxx stage (vs Ender)

Este artista alicantino que nos hizo bailar durante 24 años con el nombre de DjPablo antes de cambiarlo al actual, es residente de la mítica discoteca Falkata de Gandía y el alma mater de Hard Mission. Que esté en el escenario Footworxx no es casualidad: su set tiene fama de ser toda una descarga de energía directa a tu cuerpo… bring on your dancing shoes!

9 MBK

28 de julio – Footworxx stage

El catalán Jordi Gran, conocido como MBK, es un  DJ y productor de música hardcore y uptempo conocido por sus beats pesados y su enorme energía en el escenario. Con su música, ha logrado destacar en la escena hardcore internacional y ha tocado en algunos de los festivales más grandes del mundo como Dominator, Defqon.1 y Masters of Hardcore.

Su habilidad detrás de los platos y su capacidad para crear sets intensos lo llevaron a ser referente en la escena, lo que le permitió comenzar a producir su propia música en sellos importantes de hardcore, como Partyraiser Recordings y Uptempo Is The Tempo Records. Sus producciones están llenas de melodías oscuras y agresivas, y están destinadas a hacer saltar a la multitud… ¡luego no digas que no te hemos avisado!

10. Michenlo

28 de julio – The Library stage

El DJ y creador de contenido gallego, también conocido como Michael Chenlo, ya sabe lo que es actuar en grandes eventos como el Medusa Summer Festival y el A Summer Story… pero nunca antes en un evento de la magnitud de Tomorrowland. Subirá al escenario  “The Library” el 28 de julio en el escenario para ofrecer un directo que será todo un hito en una carrera que inició hace más de ocho años cuando comenzó a crear contenido en redes sociales mientras estudiaba Sistemas de Telecomunicaciones e Informática en Pontevedra y Cine en Madrid. Con más de 340.000 seguidores en Instagram y 80.000 en TikTok, Michenlo ha declarado que espera ver muchas banderas de Galicia y España en el festival. Seguro que así será.

11. Unicorn On Ketamine

28 de julio – Footworxx

¿Quién dijo que segundas partes nunca fueron buenas? Este peculiar DJ, escondido bajo una máscara de unicornio, repetirá en el escenario Footworxx tras la que lió en 2020. Con un ritmo hardcore más uptempo del que tu corazón puede resistir y un set breve (suelen durar de 20 a 30 minutos) pero directo al grano, sus sesiones son siempre sinónimo de locura, dureza y originalidad.

Y hasta aquí nuestro repaso por las aportaciones españolas al grandioso cartel de la decimoséptima edición del Tomorrowland, si tienes cualquier comentario déjalo a continuación y nos encantará leerlo. ¡Nos vemos en Boom!

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¿Qué es un music supervisor?

Un music supervisor es un profesional especializado en la selección, negociación y coordinación de la música utilizada en diversas producciones audiovisuales. Su trabajo es esencial para asegurar que la música elegida se ajuste perfectamente a las necesidades creativas, emocionales y temáticas de cada proyecto, enriqueciendo la experiencia del espectador y potenciando la narrativa.

Algunos supervisores tienen su propia productora (como nosotros), mientras que otros trabajan para grandes empresas como HBO, A&E, Paramount Pictures, etc. que tienen un volumen enorme

No cualquiera sirve para esto: nosotros empezamos a ofrecer este servicio en 2011 y a pesar de que ya teníamos un background en el mundo de la música desde entonces hemos aprendido mucho acerca de las necesidades de cada cliente, de cada canal, de cada contenido y de cada proyecto. Lograr la sincronización musical perfecta es un verdadero arte, y como todo verdadero arte esconde artificio y muchas horas de trabajo detrás.

¿Qué hace un supervisor musical?

Los supervisores musicales suelen conversar con los directores de cine, agencias creativas, marcas o el cliente en cuestión para obtener una comprensión clara del tipo de música necesaria para el proyecto. A veces, los productores o directores ya tienen una lista de canciones que desean, y otras veces solo saben el estado de ánimo y la emoción que buscan.

La siguiente tarea es encontrar la música que se adapte a las demandas del proyecto y comenzar a negociar los términos de la licencia. Dicho esto, no es raro que el supervisor musical contrate físicamente a músicos/compositores para realizar el trabajo.

El último paso es la aprobación final, que podría tardar semanas, meses e incluso un año. La aprobación final de la música no concluye hasta que la pieza esté terminada, un proceso que puede durar días, semanas, meses… ¡o incluso años!

¿Qué cualidades tiene que tener un buen music advisor?

1. Entendimiento del ADN musical de la marca

Un music advisor es un profesional especializado en comprender el ADN musical de una marca. Esto implica analizar el público objetivo, los valores de la empresa y su propuesta única de valor para identificar la música que mejor se ajuste a su identidad. Al trabajar con un music advisor, las empresas pueden asegurarse de que la música seleccionada refleje adecuadamente su personalidad y contribuya a fortalecer su imagen de marca.

2. Creación de una experiencia de usuario excepcional

La música puede jugar un papel crucial en la creación de experiencias de usuario memorables. Un music advisor entiende cómo la música puede influir en la percepción, las emociones y el comportamiento de las personas. Por tanto, puede seleccionar y combinar temas musicales que generen un ambiente agradable y estimulante, potenciando la experiencia de los clientes en tiendas, restaurantes, eventos y otros espacios.

3. Conocimiento profundo del mercado musical

El mercado musical es vasto y está en constante evolución. Un music advisor tiene un conocimiento profundo de las tendencias, los géneros y los artistas emergentes. Esto permite a las empresas mantenerse actualizadas y aprovechar al máximo la música en su beneficio. Además, un music advisor puede detectar oportunidades para colaborar con artistas o compositores que puedan enriquecer la propuesta musical de la empresa y fortalecer su imagen.

4. Expertise en licencias y derechos de autor

El uso de música en el ámbito empresarial puede implicar la necesidad de gestionar licencias y derechos de autor. Un music advisor tiene la experiencia y los contactos necesarios para lidiar con estas cuestiones de manera eficiente, asegurando que las empresas cumplan con las leyes y normativas aplicables. Además, puede asesorar sobre la mejor manera de adquirir licencias y negociar contratos, lo que puede ahorrar tiempo y recursos a la empresa.

5. Implementación de estrategias de marketing musical

Un music advisor puede ayudar a las empresas a desarrollar e implementar estrategias de marketing musical que refuercen su imagen de marca y aumenten su alcance. Esto puede incluir la creación de listas de reproducción temáticas para diferentes canales de comunicación, la participación en eventos musicales o la colaboración con artistas y músicos. Además, un music advisor puede asesorar sobre la mejor manera de integrar la música en campañas publicitarias y de marketing, maximizando su impacto y eficacia.

6. Adaptación a diferentes entornos y contextos
Cada espacio y evento tiene sus propias particularidades y requerimientos. Un music advisor tiene la habilidad de adaptar la selección musical a diferentes entornos y contextos, asegurando que la música siempre sea apropiada y efectiva. Ya sea en una tienda de moda, un restaurante de lujo, un evento deportivo o una exposición de arte, un music advisor sabe cómo elegir la música que mejor se ajuste a cada situación.

7. Evaluación y seguimiento del impacto de la música
Un music advisor también puede ayudar a las empresas a evaluar y hacer seguimiento del impacto de la música en sus clientes y empleados. Esto puede incluir la realización de encuestas de satisfacción, análisis de datos de comportamiento y medición de indicadores clave de rendimiento (KPI). Al contar con información detallada sobre el efecto de la música en su negocio, las empresas pueden tomar decisiones informadas y ajustar su estrategia musical para lograr resultados óptimos.

8. Innovación y diferenciación
En un mercado cada vez más competitivo, innovar y diferenciarse es esencial para el éxito empresarial. Un music advisor puede ayudar a las empresas a explorar nuevas formas de utilizar la música para sorprender y cautivar a su público. Esto puede incluir la creación de experiencias interactivas, el uso de tecnología de vanguardia en la reproducción de música o la experimentación con formatos y estilos musicales novedosos. Al adoptar un enfoque innovador y único en la selección musical, las empresas pueden distinguirse de sus competidores y generar un valor añadido para sus clientes.

9. Ahorro de tiempo y recursos
Finalmente, contar con un music advisor puede ahorrar tiempo y recursos a las empresas. La selección y gestión de la música puede ser una tarea compleja y laboriosa, especialmente para aquellos que no cuentan con conocimientos especializados en el área. Al delegar esta función en un experto, las empresas pueden enfocarse en sus actividades centrales y asegurarse de que la música sea siempre un activo valioso en lugar de una distracción o un problema.

10. La música es emoción
La música es el único de entre todas las artes que no se puede ver, y tiene el poder de evocar emociones y crear atmósferas únicas. Un music advisor entiende este poder y sabe cómo utilizarlo para potenciar el mensaje de tu proyecto, evento o negocio. La elección adecuada de la música puede generar emociones en los asistentes o clientes, lo que aumentará su interacción y conexión con tu propuesta.

5 music supervisors que seguro conoces aunque no sepas su nombre:

Karyn Rachtman: Pulp Fiction, Boogie Nights, Clueless, Reservoir Dogs

Alexandra Patsavas: Grey’s Anatomy, The O.C., Mad Men, Gossip Girl, The Twilight Saga

Gary Calamar: Six Feet Under, Dexter, True Blood

Chris Douridas: American Beauty, Shrek 2, In a World…, Captain Fantastic, Flaked

Brian Reitzell: Lost in Translation, Marie Antoinette, Beginners, The Bling Ring

Si necesitas un cable con tu proyecto, estás falto de ideas o simplemente quieres hablar de esto (nos flipa el tema) escríbenos un mail a hola@peculiar.es y estaremos encantados de hacer una llamada o incluso un café. ¡Que empiece la música!

Entra en nuestra página de sincronización musical y mira nuestros servicios.

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1. Establecer objetivos claros

Parece obvio pero lo primero que debes hacer es plantearte preguntas que te ayuden a dar sentido a todo el trabajo que viene por delante, cosas como:

• ¿Para qué voy a salir de gira?
• ¿Tengo nuevo trabajo que presentar?
• ¿Mis fans querrían volver a ver el mismo directo en caso de que no haya cambiado nada?
• ¿Lo hago simplemente para generar ingresos? 
• ¿Realmente los necesito o simplemente quiero divertirme tocando en directo?

Establecer objetivos claros te ayudará a tomar decisiones más informadas a lo largo del proceso de planificación. Por ejemplo, si el objetivo es promocionar un nuevo álbum, es posible que desees planificar la gira en torno a las ciudades donde tienes una base de fans mayor o en las que sepas de antemano que las emisoras de radio estén interesadas en promocionar el álbum / single que estás presentando.

2. Haz un routing congruente

Una vez que hayas establecido tus objetivos, el siguiente paso es seleccionar los destinos y fechas para la gira. Esto puede ser un proceso desafiante, ya que debes encontrar la combinación perfecta de ciudades, salas y fechas para maximizar la asistencia y la rentabilidad. NO se trata de unas vacaciones camufladas, no te flipes. Por mucho que te guste Madrid si no eres capaz de llenar una sala de 100 personas probablemente te cueste más dinero del que ganarás en taquilla. Sólo tiene sentido ir a aquellas ciudades donde tengas un público fiel, donde quieras abrir nuevos mercados o donde tengas oportunidades que te hagan ganar público como telonear a artistas grandes, tocar en festivales delante de mucha gente o cosas así.

Es importante tener en cuenta que el éxito de una gira de conciertos depende en gran medida de la elección correcta de los destinos y fechas. Para seleccionar los destinos adecuados, te recomendamos hacer un buen estudio de tus redes sociales, Spotify for Artists, Google Analytics, etc. para determinar dónde se encuentran tus verdaderos fans y por tanto dónde hay más probabilidades de que asistan a tus conciertos.

3. No escatimes en tu crew… o lo pagarás

Una vez que hayas seleccionado los destinos y fechas, es importante contratar un equipo de producción profesional para ayudarte a organizar y ejecutar la gira. Obviamente en función de tus necesidades. Un tour manager bueno cobra unos 500€ por bolo, un técnico alrededor de los 350€, el backliner también va por ahí… tienes que hacer los números, pero lo que está claro es que un buen equipo vale cada euro de su precio. Y no sólo para salvarte el culo en plena gira, sino también para ayudarte a planificar y coordinar todos los aspectos de la preproducción, desde la reserva de salas hasta la logística de viaje, riders técnicos, etc..

4. Reserva con antelación

Otra obviedad, ¿no? Pues fliparías con la de bandas que sacan los billetes de avión la misma semana del show, con lo cual incrementan gastos de la gira una barbaridad. Una vez que hayas contratado un equipo de producción, el siguiente paso es reservar las salas y el alojamiento para la gira con la máxima antelación posible, tanto para asegurar disponibilidad como para ajustar los costes. Y más ahora después del COVID que no hay gastos de cancelación: no hay excusa que valga, si por lo que sea cambian las fechas ya cancelarás. 

La reserva de salas es un verdadero arte que merecería un artículo en sí mismo pero no nos vamos a explayar aquí, sólo te diremos que:

– La elección de las salas adecuadas afectará en gran medida la asistencia y la rentabilidad del concierto. Coge una sala céntrica y que esté en el circuito de conciertos, haznos caso. 

– Busca partners locales, ya sabemos que cualquiera puede llamar a una sala a reservar pero muchas veces los promotores locales tienen mejo precios y te ayudarán a promocionar mejor el show. Al final acabarás ganando.

– No te guíes por el precio: la mejor sala es aquella con el mejor rider y que programa más conciertos. Lo único que dota de sentido al enorme esfuerzo que supone montar cada show es que luzca increíble y que la sala esté llena, si escatimas en eso tu carrera no durará demasiado.

– Las salas buenas -las que todo el mundo quiere- trabajan con un mínimo de 6 meses de antelación, no tienes que pagar nada por la reserva (hasta que te piden formalizar) así que ya estás tardando en hacer la tuya.

– Si tu banda es pequeña, las salas no te darán fechas buenas porque viven de la barra y prefieren llenarlas con artistas que saben que llenarán, tu opción es buscar salas no tan TOP o tocar en días menos solicitados como miércoles o jueves (que por ejemplo son buenos para que acuda prensa, todo tiene su lado bueno).

5. Diseño de la producción y logística de viaje

Una vez que se hayan reservado las salas y el alojamiento, es importante diseñar la producción y la logística de viaje para la gira. El Tour Manager es el responsable de coordinar todo, desde el diseño del escenario hasta la iluminación, el sonido y los efectos especiales. En las giras grandes cuentan también con un Road Manager que es quien va siempre de gira con la banda y soluciona los marrones en el terreno.

La logística de viajes, desde el transporte de los músicos y el equipo hasta los detalles de la llegada y la salida de cada ciudad, también son un factor importante y hay profesionales que únicamente se dedican a ello, sobre todo a partir de un cierto tamaño de giras en los que viajan 30-40 personas. Es importante asegurarse de que se hayan tomado todas las precauciones necesarias para garantizar la seguridad y la eficiencia de la gira, y cada vez más el factor medioambiental está tomando más peso. Es carísimo llegar al nivel de Coldplay pero cualquier iniciativa en ese sentido es buena y super bien acogida tanto por los trabajadores como por el público.

6. Promoción y marketing de la gira

Aquí hay que diferenciar básicamente 2 equipos: comunicación y publicidad.

Comunicación lo desarrolla el responsable de promo que se encarga de enviar notas de prensa, convocatorias, acuerdos estratégicos con medios, acreditaciones de prensa, etc. y hay muchísimos profesionales super recomendables, si lo estás buscando escríbenos y te pasamos contactos.

La publicidad es un poco más amplia (aunque en equipos pequeños a veces lo hace la misma persona) y engloba otras partidas como campañas de promoción online -Spotify, Youtube, RRSS, etc-, analítica de datos, creatividades de contenidos, cartelería, partnerships y mucho más. Esto a veces lo hace gente del equipo y a veces agencias de marketing, dependiendo de cuán especializado sea el servicio que necesitas.

7. Colaboradores

Esto es un tema importante que much@s artistas pasan por alto: la bendición que supone que una marca ayude a sufragar esos gastos fijos que vas a tener antes de salir de casa y que te va a suponer noches sin dormir (no hablamos de aftershows, sino de chupar techo con preocupación). Hablamos de Estrella Galicia, Estrella Damm, Levi’s, Jagermeister, Adidas, Vodafone, Firestone y muchas más empresas que apuestan por la música en directo como estrategia de marketing y deberías hablar con ellas para tratar por lo menos de minimizar costes y hacer más rentables tus números. Si piensas que colaborar con marcas es pervertir tu arte, vas a tener un camino mucho más tortuoso por delante.

8. Ticketing

Esto también da para escribir un artículo aparte y de hecho ya lo hemos hecho. Y no uno sino dos: ¿Cuál es la mejor ticketera para ti? 5 consejos que te ayudarán a elegirla y Cómo vender entradas de conciertos: 5 consejos que te ayudarán. Es un tema fundamental, de verdad te recomendamos dedicarle tiempo a eso.

9. On tour

Llega el momento de lanzarse a la carretera. Prepárate para afrontar imprevistos, incomodidades y algunos roces. Si se ha hecho una buena preproducción y el equipo es bueno, los altibajos son menos pronunciados, pero si los músicos quieren sexo, drogas y rock’n’roll, los técnicos sienten que no cobran lo que deberían, las salas en las que tocáis son las más baratas que había y la promo no ha funcionado… prepárate a sudar la camiseta. Si tienes 20 años está todo bien, si tienes 25 pse, a partir de los 30 cuesta más… y bueno a partir de los 35 ni hablamos. Es duro estar de gira, a pesar de la imagen que la gente tenga. Es un cansancio extremo, muchísimo trabajo y mucho tiempo rodeado de gente con la que tendrás más o menos ganas de estar. Por eso los 8 puntos anteriores son tan importantes: si vas con los deberes hechos, podrás incluso disfrutar del examen.

10. Evaluación y análisis de la gira

Después de cada gira es importante hacer una reunión para evaluar y analizar los resultados: el balance económico final, el feedback de todas las personas del equipo sobre cada uno de los aspectos importantes, el impacto que han tenido las decisiones tomadas, etc. Cuando vuelves a casa estás agotado y sólo quieres desconectar del trabajo y de tus compañeros, pero es importante hacer esto cuanto antes para tener la información fresca y no dejarse nada en el tintero. Sólo así conseguiremos que la próxima gira sea mejor, más llevadera, más rentable y también más divertida.

¿Cuál es tu mejor anécdota de gira? Dínoslo en un comentario, ¡te leemos!

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1. Experiencia

Un buen conferenciante debe tener experiencia en el tema que va a exponer. Esto no significa que deba ser un experto en la materia, pero sí debe tener un conocimiento profundo del tema y ser capaz de responder a preguntas o dudas que puedan surgir durante la presentación, no vale con haberse preparado el tema de forma escueta.

Además, la experiencia también se refiere a su trayectoria como conferenciante. Un buen orador debe haber tenido la oportunidad de hablar en público varias veces y haber adquirido habilidades para conectar con la audiencia: es como las horas de avión en el caso de los pilotos. ¿Determinan su calidad? No. ¿Dan tranquilidad y recursos? Mucho.

2. Capacidad para conectar con la audiencia

Un buen conferenciante debe ser capaz de conectar con su audiencia. Para ello, debe ser empático y comprender las necesidades y expectativas de su público. Debe ser capaz de adaptar su mensaje a su audiencia y utilizar un lenguaje y tono adecuados.

Además, debe ser capaz de mantener la atención de su audiencia durante toda la presentación. Para ello normalmente recurren a técnicas para captar su atención, como anécdotas, ejemplos o imágenes sencillas que además puedan recordar fácilmente. Toni Nadal es un maestro en esto.

3. Habilidad para transmitir el mensaje

Un buen conferenciante debe ser capaz de transmitir su mensaje de manera clara y persuasiva. Para ello, debe tener una estructura clara en su presentación y utilizar argumentos y datos que apoyen su mensaje.

Además, por muy culto que sea, debe utilizar un lenguaje claro y sencillo que permita a su audiencia comprender fácilmente lo que está diciendo. En el momento que el público desconecta, es muy difícil hacerlo volver.

4. Carisma

Un buen conferenciante debe tener carisma. Debe ser una persona atractiva, que inspire confianza y que genere empatía en su audiencia. Para ello, debe tener una presencia escénica fuerte y una voz clara y convincente.

Además, debe ser capaz de transmitir emociones y hacer que su audiencia se sienta involucrada en su presentación. Para ello, debe utilizar el humor, la empatía y la pasión en su discurso.

5. Habilidad para improvisar

Un buen conferenciante debe ser capaz de improvisar si algo no sale según lo previsto. Puede haber imprevistos durante la presentación, como problemas técnicos, preguntas inesperadas o reacciones negativas de la audiencia.

En estos casos, un buen conferenciante debe ser capaz de adaptarse rápidamente y encontrar soluciones para superar los obstáculos. Para ello, debe tener una mente abierta, ser flexible y estar preparado para cualquier eventualidad.

6. Creatividad

Un buen conferenciante debe ser creativo. Debe ser capaz de presentar su mensaje de manera original y sorprendente, utilizando técnicas innovadoras que capten la atención de su audiencia.

Además, debe ser capaz de presentar su mensaje de manera visualmente atractiva, utilizando gráficos, imágenes o vídeos que ilustren su mensaje y lo hagan más accesible a su audiencia.

7. Preparación

Un buen conferenciante debe estar bien preparado. Debe conocer su tema a fondo y haber preparado a fondo su presentación.

Además, debe haber practicado su discurso varias veces para estar seguro de que su mensaje es claro y efectivo. Muchos preparan materiales complementarios, como presentaciones en PowerPoint o materiales impresos, para apoyar su discurso y también poder repartir a los asistentes posteriormente si lo desean.

8. Actitud positiva

Este requisito es impepinable: un buen conferenciante debe tener una actitud positiva. Debe ser una persona optimista y entusiasta, que transmita energía y motivación a su audiencia. Si has estado alguna vez en una charla de Victor Küppers, sabes de lo que hablamos.

Además, debe ser capaz de manejar situaciones difíciles con una actitud positiva, manteniendo la calma y la confianza en sí mismo. Debe ser capaz de encontrar soluciones y alternativas a los problemas que la audiencia se ha planteado anteriormente.

9. Escucha activa

No sólo se trata de hablar, ni mucho menos. Un buen conferenciante debe ser un buen oyente. Debe ser capaz de escuchar las preguntas y comentarios de su audiencia, empatizar con ella y responder de manera efectiva.

Además, debe ser capaz de identificar las necesidades y expectativas de su audiencia y adaptar su discurso en consecuencia. Esto significa estar dispuesto a cambiar de enfoque si es necesario y estar abierto a nuevas ideas y perspectivas.

10. Profesionalidad

Finalmente, un buen conferenciante debe ser profesional en todo momento. Debe ser puntual, respetuoso y mantener un comportamiento adecuado durante su presentación. Si falta al respeto al público, será imposible que le tengan en consideración.

Además, debe ser capaz de manejar críticas constructivas y comentarios negativos con profesionalismo y respeto. Debe ser una persona confiable y comprometida con su audiencia, dispuesto a responder a sus preguntas y proporcionarles información adicional si es necesario. Muchos incluso dan su contacto personal por si la gente quiere contactarlos posteriormente (que sea su secretari@ quien conteste a los mails ya es otra cosa).

En resumen, un buen conferenciante es una persona con experiencia en el tema que va a exponer, capaz de conectar con su audiencia, transmitir su mensaje de manera clara y persuasiva, tener carisma, ser creativo, estar bien preparado, tener una actitud positiva, escuchar activamente, ser profesional en todo momento y tener la habilidad de improvisar si algo no sale según lo previsto.

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10. Bad Bunny – 88 M$

El rapero puertorriqueño, al que vimos consolidar su carrera de actor con un papel junto a Brad Pitt en Bullet Train, ganó la mayor parte de sus ingresos a través de dos giras: ‘El Último Tour Del Mundo’ y ‘The World’s Hottest Tour’, esta última realizada en los estadios más grandes del mundo y con números record. Marcas como Corona, Cheetos y Adidas redondearon sus ingresos con patrocinios astronómicos.

9. Taylor Swift – 92 M$

La única mujer en el TOP10 logró acercarse a los 100 millones de euros gracias a una combinación de venta de discos físicos, plays en plataformas digitales como Spotify, descargas digitales, licencias y sincros (por cierto, si quieres hacer un anuncio con una de sus canciones lo hablamos). Su gira Midnights ofreció 52 noches en EE. UU. con taquillas por encima de los nueve dígitos.

8. James Cameron – 95 M$

El éxito de taquilla de la segunda entrega de Avatar convirtió a James Cameron en director de tres de las películas más taquilleras de todos los tiempos, junto a Avatar (2009) y Titanic (1997). La secuela le reportó al menos 95 millones de dólares, gracias a un acuerdo que le reportó una importante prima por su millonaria taquilla.

7. The Rolling Stones – 98 M$

Sus satánicas majestades siguen tan en forma como el primer día: en 2022 obtuvieron ingresos de 136 millones de dólares por su gira SIXTY, además de batir su record de ingresos por royalties. La gira por 15 capitales europeas el verano pasado, en la que pasaron por Madrid, les generó más de ¡8,5 millones por concierto! It’s only rock’n’roll… but I like it.

6. Brad Pitt – 100 M$

El actor que dio vida a Benjamin Button y empieza a parecerse al personaje con su inmaculada juventud ganó 113 millones de dólares gracias a la venta de su productora Plan B, de donde han salido películas galardonadas como Moonlight, 12 Years A Slave o The Departed de Martin Scorsese. Asimismo, Pitt sumó unos 30 millones de dólares adicionales gracias a papeles en Bullet Train, Babylon y The Lost City.

5. James L. Brooks y Matt Groening – 105 M$

Los cocreadores de la serie animada estadounidense Los Simpson ganaron US$ 105 millones por el acuerdo que migró las 30 temporadas a Disney+ desde FX. El acuerdo fue realizado después de la adquisición anterior de Fox por parte de Disney por unos 52.000 millones de dólares.

4. Trey Parker y Matt Stone – 160 M$

Los ‘padres’ de South Park se forraron en 2022 gracias a un millonario acuerdo con HBO Max así como su exitosa Book of Mormon, una comedia musical sobre la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días. En 2021 firmaron un contrato con Paramount que desembolsó a la pareja un total de ¡935 millones de dólares! a lo largo de seis años.

3. Tyler Perry – 175 M$

Actor, escritor, director, productor… el americano es una mezcla entre hombre renacentista y magnate de los negocios, que además posee su propio estudio de grabación, importantes inversiones económicas y en definitiva un dominio total de la industria del espectáculo que le ha granjeado una fortuna estimada en 1.000 millones de dólares.

2. Sting – 210 M$

La venta de royalties se ha convertido en el gran negocio del siglo XXI para los artistas de renombre. El británico vendió toda su producción musical, tanto en solitario como con The Police (incluyendo clásicos inmortales como ‘Every Breath You Take’ o ‘Roxanne’) a Universal Music Group en febrero.

1. Genesis – 230 M$

Como en el caso de Sting, los pioneros del rock progresivo tuvieron unos ingresos millonarios derivados de la venta de derechos musicales a Concord Music Group el pasado mes de septiembre, e incluía también temas de la carrera en solitario de Phil Collins. Los tickets vendidos en sus giras y los royalties derivados de venta de discos y distribución digital completaron sus astronómicos ingresos.

Este ranking de los 10 artistas mejor pagados en 2022 refleja la amplia variedad de fuentes de ingresos que amplían las arcas de los famosos, desde ventas de derechos de música hasta giras y acuerdos de producción. Mientras que algunos artistas, como James Cameron y Brad Pitt, ganaron principalmente a través de sus producciones en cine, otros como Taylor Swift y Bad Bunny obtuvieron sus ingresos a través de ventas de música y giras en vivo. Si quieres contratar a un cantante no dudes en ponerte en contacto con nosotros.